Progresivo cuestionamiento al estatuto de las artes y un cuestionamiento de las artes/funciones de la pintura.
En la segunda mitad del XIX, nos permite encontrarnos con toda una serie de movimientos artísticos/pictóricos como el Realismo, el arte por el arte y el impresionismo.
Que generan toda una serie de transformaciónes, de todo el estatuto de las artes que van a constituir la base sobre la que se va a sostener la idea de arte moderno.
Entre las características esta, la desacralización del tema pictórico, la elección de temas. Por un lado como mera anécdota, sin ningún tipo de representatividad simbólica del tema.
Los temas o motivos pictóricos van a ir eligiéndose entre los temas populares. Lo que se va a manifestar es un interés por las clases trabajadoras.
Ademas, porque están interesados en lo cotidiano, en lo real, no en un pueblo como mítico (como lo pensaban en el romanticismo). Lo que se hace es representar el momento de trabajo. Existe una premisa de plasmar con la objetividad de lo real.
Lo que se ve es una manifestación de compromiso político, personal con el movimiento obrero y las ideologías socialistas.
También estos temas, que se presentan van a estar ligadas a la premisa, una búsqueda de observación científica, representación de aquello que es real.
Este compromiso del artista con la idea de la libertad va a ser más drástico, y es particular en el realismo porque el artista, lo va a ir vinculándose con la ideología de izquierda.
Los escritos de Marx y Engels que funcionaron, tanto como fundamentos teóricos de lo que es el materialismo histórico, ademas de las elaboraciones críticas de otros autores, que se enfrentaban a las formas burguesas.
A partir de advertir las condiciones de vida del sistema capitalista, que eran negativas para las clases trabajadoras.
La aparición del socialismo como opción política se va a profundizar particularmente luego de la publicación del manifiesto comunista de 1848.
En el cual, Marx recupera la idea de la historia humana como una sucesión de cambios, en los modo de producción económica, y en las luchas sociales que se van derivando.
Lo que plantea este pensador es una propuesta de acción política con el objetivo de emancipar/liberar a la sociedad entera de esta opresión del sistema capitalista, dominado por los burgueses.
El desarrollo teórico, de esto derivaría en una sociedad donde no existiría la propiedad privada.
De alguna manera daba una base teórica en el rol que las artes estaban llamados a cumplir en este proceso de emancipación.
Es decir, estos artistas que desde el romanticismo se planteaban el compromiso del artista con la libertad. Sienten la necesidad de insertar a las artes, en este proyecto político de la emancipación de los proletarios.
Las formas fueron muy debatidas, y las propuestas fueron diferentes también. Hay todo un desarrollo teórico sobre las artes, algunos de los realistas van a entenderlo como una necesaria implicación del artista con los movimientos de la revolución.
Courbet, artista francés participa en la Comuna de París en 1871 (movimiento político el cual, tomo el poder en la ciudad de París e instala un gobierno socialista que dura unas pocas semanas).
Lo importante es que, incluso donde no se dieron estos movimientos revolucionarios, los realistas introdujeron esta premisa a partir de la tematización de los trabajadores.
En el caso del artista italiano Achille d’Orsi (1845-1929) lo que hicieron fue ubicar el tema de los trabajadores y los efectos del trabajo como centro del tema artístico.
En Proximus tuus (1880-1882), Es una composición mucho más académica de alguien anti-académico. Lo que hace es que la despoja y la vuelve sencilla, fácilmente comprensible para poner en el centro concreto, los efectos de los trabajadores explotados.
Muestra un cuerpo extenuado para llamar la atención en términos tipo, morales al trabajador como un mártir, un héroe al que no sólo se lo explota sino que se lo ignora.
Ilya Repin (1844-1930), artista ruso va a apelar a la misma idea y muestra en "Los sirgadores del Volga" (1870-1873), los trabajadores están arrastrando un barco que frena a los hombres y los despoja de su libertad.
Los muestra atados a la producción económica, estas personas aunque parezca increíble a nuestros ojos modernas eran los remolques que hacían entrar a los barcos en los puertos. Sobra decir que la tarea era inhumana, la misma sociedad zarista no creía en la humanidad de estos trabajadores.
Lo que plantea Repin, al volverlos un tema central, en una composición clásica (punto de fuga, representación del espacio), aquello que lo vuelve una obra de alguna manera controversial o provocadora es esa representación temática, esto de haber evidenciado ese paisaje desmedido de la humillación y estrechez de los hombres, sometidos a ser bestias de carga.
Este posicionamiento académico, se da por distintas vías. El sistema del arte, la noción del artista como ser autónomo que se opone a la burguesía, va a explorarse por distintas vías no-prácticas.
El realismo elige temas que hasta entonces no hubiese constituido un tema de la pintura academicista.
Usa las formas academicistas, que usando todo el sistema compositivo, los desacralizan volviéndolos comprometidos con este posicionamiento político.
Hay otra cuestión, importante en la comprensión de las obras, es que buena parte de los artistas lo que van a generar en las obras son toda una serie de producciones escritas (textos, elaboraciones de diarios, etc).
Esto circula, junto con sus obras, escritos donde reafirman su posición anti-tradicional, clarifican sus excepciones del arte del trabajo/rol del artista, y da la pauta de cómo debe entenderse ese tipo de producciones pictóricas en el marco de su posicionamiento anti-académico.
Es decir, lo que se inicia es una práctica que se ve cuánto dura, teniendo modificaciones. Las obras van a ir articulándose con cuerpos textuales, con producción escrita que las explican, que le dan sentido, e incluso las organiza en conjuntos que dan sentido a lo que dialogan entre sí.
En el caso del realismo, este posicionamiento del artista, era muy específica en cuanto al posicionamiento político, pero también con su búsqueda de la observación de lo real, la representación más naturalista posible, sin mejoras, sin ningún tipo de idealización.
El referente debía ser la contemplación directa y atenta de lo que lo rodea, lo que está en lo cotidiano.
El registro de la realidad asumía, quería copiar la mirada del fotógrafo, a la forma en que capta lo real. Esto va a funcionar así particularmente del registro del cuerpo.
En el caso del pintor aleman, Adolph Von Mezel (1815-1905) va a representar su propio pie, siendo escandalosa por no ser algo bello, porque es un tema superfluo, intrascendente.
Acá está lo anecdótico, porque da igual que sea un pie, el punto era representar lo real. En otros casos, la representación del cuerpo femenino va a entrar en la provocación.
Se va a hacer desde la misma premisa, que es la observación meticulosa de lo cotidiano, ordinario, natural.
Sin embargo, la selección, el encuadre, el punto de vista daba la pauta que era una imagen a tildarse de obsceno, pornográfica en algún punto.
Más aún con su nombre (“el origen del mundo” de Courbet, año 1866). El problema es que no había ningún tipo de legitimidad en este cuerpo desnudo, no era un cuerpo ideal de diosa, ninfa, etc.
Es decir, lo que se veía era la representación femenina en situaciones cotidianas, evidentemente connotadas, ligadas a las prácticas sexuales que el artista ligaba (el artista pintaba a quienes había tenido relaciones sexuales).
La voluntad de mostrar la realidad tal cual es, por un lado funcionaba como elemento que le permitía llegar a la objetividad, pero a su vez le servía lo escandaloso que le permitiera de alguna manera romper con la academia, chocar y plantear su posición anti-tradicional.
Queridos lectores, si les gusto lo que escribí pueden contribuir, muchas gracias.
https://cafecito.app/sergiomiguel
https://www.paypal.com/paypalme/sergiolualdi?country.x=AR&locale.x=es_XC
No hay comentarios.:
Publicar un comentario