Una película realizada por los españoles Luis Buñuel y Salvador Dalí, en Francia se llama “el perro andaluz”. Ubicada temporalmente en 1929.
Poder experimentar sobre todo con la extrañeza que provoca este cine de vanguardia, a partir de la utilización de algunos elementos que van contra la racionalidad tradicional.
La yuxtaposición de elementos que son inverosímiles, que parece que provienen del mundo del sueño y que tiene mucho que ver con todo aquello que está reprimido por la sociedad burguesa. Como por ejemplo, el tema de la sexualidad.
Estos temas que son los que abordaron los surrealistas, sirven como motivación para ingresar el tercer bloque que va a estar dedicado a lo que denominamos “las poéticas que tienen como eje la irrupción de lo irracional”.
Es cierto que hay medición de la expresión también, que podrían incluirse de alguna manera como una sub-rama de las políticas expresionistas.
Pero acá más que expresar los sentimientos individuales de los artistas, lo que se busca es traer a la superficie, de alguna manera, todo lo irracional, todo aquello que está en el fondo de nuestras conciencias y que no pertenece al orden de la realidad cotidiana.
Ya sea desde el punto de vista de las pulsiones y los instintos, por ejemplo, el instinto de violencia o un instinto agresividad, que Freud va a llamar “la pulsión de muerte”.
Ya sea a todas aquellas conexiones que aparentemente son ilógicas del pensamiento que se dan en otros momentos distintos de la vigilia, como pueden ser el sueño de los estados definitivos.
Vamos a trabajar fundamentalmente con tres movimientos:
El futurismo (en orden cronológico) cuyo epicentro va a ser Italia.
El dadaísmo que va a tener como sedes principales Suiza y los Estados Unidos al menos en un primer momento.
El surrealismo que va a tener su centro en la ciudad de parís.
Estos movimientos que se encuadran en las tendencias de la irrupción del irracional se inscriben temporalmente entre las primeras décadas del siglo XX y se extienden durante la entre-guerra.
El futurismo esta ubicado desde 1909 y se va a extender hasta los años 20’, de hecho muchos de sus miembros van a adherir al fascismo de Mussolini.
El dadaísmo lo vamos a tener surgiendo en plena guerra en 1916 y va a desaparecer a principios de la década del 20’. Por ultimo el surrealismo va a empezar justamente hacia 1924 y va a seguir durante varias décadas.
¿Por qué se producen estas formas?
En realidad tiene mucho que ver con el contexto europeo de ese momento, en primer lugar con el gran desarrollo técnico industrial que había llevado a esa "Belle epoque".
El auge de la burguesía y de la sociedad capitalista, que se estaba mostrando algunos de sus principales problemas, tanto sociales como a nivel de desequilibrios internacionales.
También la confrontación que se iba produciendo a partir de la competencia entre las grandes potencias europeas.
A su vez, en este contexto se produce la Primera Guerra Mundial y se produce también la Revolución Rusa, que van a implicar las primeras grietas en esta confianza, en el progreso y en la civilización que habían articulado el mundo occidental, al menos desde el proceso de la Doble Revolución.
Si bien no se cuestiona totalmente estos principios, se a tener que esperar hasta después de la Segunda Guerra Mundial para entrar verdaderamente en crisis.
Existe un primer cuestionamiento que pone sobre el tapete hasta dónde va a llegar la humanidad y cuáles son las consecuencias de ese desarrollo que se venía dando desde hacía bastante tiempo.
A nivel de las artes va a llevar a un replanteamiento radical de la función y del sentido de las artes.
Para qué sirve el arte y eso va a tener que ver en general con todo el planteo de las vanguardias, pero la respuesta que dan estos movimientos es particular.
Porque lo que proponen es una especie de Revolución desde las artes que termine con esa civilización, con esos valores que llevaron a esos momentos de crisis y propongan algo nuevo.
Para esto algunos elementos que van a tener en común es la búsqueda de lo polémico, de lo escandaloso, más que nada para shockear al público burgués y tratar de movilizarlo.
A su vez esto se fundamenta sobre el cuestionamiento de la racionalidad y las instituciones tradicionales que se venían consolidando de la mano de esa modernidad.
Por último, tiene como elemento común una tendencia a consumir los géneros, es decir, a mezclar pintura, escultura, arquitectura, teatro y surgir algunas de las formas que se van a desarrollar luego en los años posteriores.
En general estos tres movimientos que vamos a presentar a continuación tienen como elemento común todo el culto a lo irracional y al inconsciente, muy premiados por las teorías de Freud.
Que en ese momento están teniendo un gran auge entre la intelectualidad europea, y que dicen que hay un sustrato inconsciente que no conocemos de nosotros mismos.
La función del arte en este caso va a ser dar lugar a la emergencia a la irrupción de este componente irracional.
Si se analiza la obra llamada "la ciudad emerge" de Humberto Boccioni, uno de los futuristas italianos que en 1910.
Es decir, de los comienzos del movimiento se podría decir en primer lugar, aquellos elementos pictóricos oníricos.
Como por ejemplo, el trabajo con la composición, el trabajo con la línea, con los colores y también analizar el contenido que nos dan pie para introducirnos en este movimiento que fue el futurismo.
Que se inauguró en 1909 con un manifiesto que apareció en el diario francés Le Figaro, que estuvo a cargo de un poeta, que era Filippo Marinetti y era la figura clave del futurismo italiano, el líder dentro de ese movimiento.
El futurismo va a caracterizarse por una actitud entusiasta, optimista, con confianza en el progreso y sobre todo, en el desarrollo industrial.
Pero va a mostrar antes que esta utopía del futuro, se va a dedicar a destruir una manera muy violenta y agresiva las instituciones.
Todas las formas ya consolidadas, porque para ellos para construir esta sociedad, esta propuesta del futuro y la utopía del futuro, es necesario primero destruir lo anterior.
Sin embargo lo que vemos en la pintura de Boccioni es la recuperación de elementos que ya existían.
Lo que podemos ver a nivel iconográfico o sea el tema está representado es un conjunto de hombres, que podemos pensar que son obreros industriales.
Sobre todo a partir de la vestimenta, que están conteniendo o conduciendo (no queda claro) a un caballo.
El título es “la ciudad se levanta” y está exaltando de alguna manera a la ciudad como ese ser fuerte, poderoso y el movimiento.
Que es este caballo alado, no es solamente un caballo que es símbolo de la fuerza, sino que además tiene alas y está sostenido por todo este grupo de personas, de hombres.
Porque además los futuristas exaltan el masculino, lo agresivo, tiene un gran desprecio por la mujer porque piensan que encarna la debilidad.
Son esos hombres los que están sosteniendo a la ciudad moderna.
Los recursos que utilizan, sin embargo, son bastante tradicionales en este mensaje que resulta bastante revolucionario, porque fundamentalmente, el artista utiliza la pincelada descompuesta que habían instaurado los impresionistas a fines del siglo XIX.
Que se había pasado para una mayor descomposición con el desarrollo del puntillismo, que habían profundizado las búsquedas de descomposición de la forma de los impresionistas.
Pero acá la idea de los futuristas es, por un lado, trabajar con el tema de los reflejos de la luz como habían hecho los impresionistas, pero sobre todo dar sensación de movimiento.
La pincelada yuxtapuesta en este caso, lo que da es la sensación de que el caballo se está moviendo y está ejerciendo una fuerza.
Esa idea de dinamismo, de movimiento y de energía son fundamentales para el futurismo, y esa idea de dinamismo está dada también por la misma composición que está totalmente estructurada en torno a grandes diagonales, que dan sensación de movimiento.
Es decir, los futuristas están recurriendo acá a elementos consagrados formales de la historia del arte para construir un nuevo contenido que tiene un altísimo componente de violencia, de agresividad, pero también del culto al progreso y de culto a la máquina.
En este sentido, trabajar también con diseños de ciudades utópicas, de ciudades que iban a concretar ese ideal futurista, a partir de la exaltación de las fuerzas que implicaban la energía eléctrica.
Por ejemplo, de materiales como el hormigón o el vidrio, que en este caso estaban despojados de toda emotividad y construían grandes estructuras monumentales.
Que parecen mas destinados a lo escenográfico que a vivir esos edificios.
Hubo muchas proyectos de arquitectura que estuvieron diseñados por Antonio Saint’Elía, este en un diseño para una ciudad nueva que se va a construir sobre la ciudad de Milán.
Que nunca se realizó y quedó en la teoria, pero es interesante para ver cuáles es la utopía que estaban persiguiendo los futuristas.
De acuerdo a lo que dicen los textos, el futurismo, lo que quiere es destruir toda lógica pasar por una fase de destrucción de todo lo consolidado.
Todo lo anterior, de todas las instituciones, por eso dicen de estar en contra las bibliotecas, en contra de los museos, para que reine lo inverosímil, lo absurdo, lo irracional identificado con la violencia y con lo agresivo.
De hecho, ellos van a estar en masivamente a favor de la Primera Guerra, también como una reivindicación nacionalista, de volver a posicionar a Italia en el mundo de las artes en una Europa donde las artes estaban dominadas por el centro que era París.
Por eso en la Primera Guerra, se vio como un momento perfecto, una ocasión para recuperar ese lugar perdido.
Se mezcla también con estas ideas nacionalistas. Igualmente la guerra va a traer un mal saldo para ellos porque algunos como el mismo Saint’Elía, van a morir en combate.
Lo que están proponiendo de sus bases es una destrucción de la dimensión naturalista y racional del tiempo, del espacio a través de la velocidad, la exaltación de la velocidad.
En el caso de la ciudad, de esto se vería por ejemplo a partir del diseño de sistemas de transporte que iban a conectar los transportes muy rápido.
Que iban a conectar las distintas partes de la ciudad y que prácticamente eliminaban toda circulación peatonal.
A su vez, lo que quieren es que irrumpa todo esto irracional que está en el subconsciente y que cuestione esa racionalidad que se había consolidado con la sociedad burgués.
Es decir, en resumen las características que crearán este movimiento fueron el entusiasmo, siendo algo muy idealizado.
Es decir, que a través del arte se podría revolucionar el mundo, en transformarlo, la exaltación de la velocidad, la energía, el movimiento, la industria, la máquina, el carácter belicista o sea a favor de la guerra a la que pensaban con un momento en que se iba a ser borrón y cuenta nueva.
Un momento de depuración del mundo occidental. Misóginos, este desprecio por la mujer.
Ademas de una transgresión de los géneros artísticos que les permitían incursionar en las distintas artes.
Para cerrar con el tema de futurismo, fragmento de su manifiesto donde dice: “queremos cantar el amor, el peligro, el hábito de la energía y la temeridad; los elementos esenciales de nuestra poesía serán el valor, la audacia y la religión.
En tercer lugar, puesto que la literatura glorificado stábile en movilidad pensativa, el éxtasis y el sueño, nosotros pretendemos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso, el puñetazo y la bofetada.
No tenemos inconveniente en declarar que el esplendor el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza:
"La belleza de la velocidad, un automóvil de carrera con su caja adornada por esos tubos que tiran serpientes explosivos, un automóvil de carrera que parece correr sobre metalla es más hermoso que la victoria de samotracia.
Deseamos demoler los museos y las bibliotecas, combatir la moralidad y todas las cobardías oportunistas y utilitarias, cantaremos a las grandes multitudes, agitadas por el trabajo, el placer, la rebeldía, a las resacas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas, a la vibración nocturna de los arsenales y las minas, bajo sus violentas en las eléctricas”.
Sobre la guerra dice: “queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo: el militarismo, el patriotismo destructora de los anarquistas, las hermosas ideas que matan y el desprecio a la mujer”.
Esta actitud frente a la guerra que tenían los futuristas no va a ser la única, iba a haber actitudes diferentes, por ejemplo la que se va a concentrar en las artistas que se refugiaron en Zúrich, en Suiza, país neutral.
Como sostiene el historiador y critico de arte, Giulio Argan en su libro “el arte moderno”:
En realidad hubo dos grandes líneas respecto a esta guerra. Por un lado, aquellos que pensaron que era una especie de paso en falso una desviación respecto del progreso racional de la historia, y entonces lo que hicieron fue acentuar la racionalidad.
Por otro lado, como los dadaístas, aquellos que pensaron que la guerra era una consecuencia lógica a la que había llevado ese progreso científico y tecnológico que venía desde revolución industrial.
El dadaísmo va a tener distintos centros: es un movimiento fundamental para poder entender después el arte contemporáneo.
Pleno arte moderno, con valores con estas características que buscaban sobre todo shockear a ese público burgués y tenía la creencia de que el arte podría cambiar el mundo.
Pero el dadaísmo desde algunos procedimientos y algunas ideas que van a anunciar elementos que van a ser propios del arte contemporáneo.
El dadaísmo va hacer a un movimiento muy heterogéneo, dándose en simultaneo en distintos lugares al mismo tiempo; una especie de estado de ánimo creado por el contexto de la guerra.
En principio vamos a tener dos centros donde se va a desarrollar. Uno va a ser Zúrich en Suiza y ahí los dadaístas se van a reunir en el Cabaret Voltaire generalmente, y van a llevar adelante prácticas que son realmente muy disruptivas para el momento, e incluso van a organizar lo que ahora conoceríamos como performance.
Es decir, acciones de intervención, de declamación de poemas donde creaban trajes como los que estamos viendo acá de Sophie y Erika Taeube, están vestidas con trajes hechos específicamente para esas funciones y donde lo que se buscaba eran más que nada el absurdo.
La destrucción de todos esos valores que estaban tan asentados en el arte en moderno. Eso fue en Zúrich, zona neutral en el medio de la guerra en 1916.
Paralelamente se va a desarrollar el movimiento del dadaísmo en los EE.UU. de la mano de algunos artistas emigrados como Francis Picabia y sobre todo Marcel Duchamp que había llegado a Nueva York hacia 1915.
Allí formaron como una especie de núcleo vanguardista que reunió también algunos artistas norteamericanos como Van Ryde.
Van a llevar adelante búsquedas que en algunos puntos tienen elementos en común con el dadaísmo europeo, pero siempre pensemos que el dadaísmo en EE.UU. no está en el territorio de la guerra.
Mientras que en Europa está viviendo de cerca las consecuencias de la guerra, en esa especie de refugio que se había convertido Suiza.
Unos años más tarde, sobre todo a partir de 1918 cuando termina la Primera Guerra, va a surgir también un núcleo dadaísta en Berlín.
Sin embargo, acá la tónica va a ser otra, porque si bien van a seguir los procedimientos desde el punto de vista de la búsqueda de lo absurdo, del mal gusto, del escándalo, de ir contra las instituciones, en contra de lo académico y de la lógica.
En Berlín luego de la finalización de la guerra, en el contexto de la república de Weimar, los artistas van a funcionar en alianza con los sectores de izquierda y van a hacer una crítica a todo el militarismo que había implicado esa Primera Guerra.
Podemos ver en esta imagen de la derecha, de la primera exposición dadá en Berlín, donde hay por ejemplo un maniquí vestido de militar que está flotando por sobre los espectadores.
Entonces acá en un contenido político explícito que tiene que ver con el contexto berlinés que es diferente del que se produce en Zúrich.
En el primer manifiesto de este dada que se produce en Suiza, los artistas, en particular los poetas como a Tristán Tzara que es quien firma este manifiesto.
También otros como André Breton que luego se van a ir alejando del dadaísmo porque se agota en sí mismos en cuanto que no tiene una propuesta alternativa, simplemente es nihilista y busca destruir lo anterior.
Fundamentalmente mediante la aplicación de la ironía de reírse de todo el anterior y la definición de Tzara.
Reivindica la contradicción, el absurdo, en contra de cualquier institución aún de la literatura misma y está planteando que no existe un futuro, está planteando justamente esta falta de proyecto.
Su propuesta se centra en la destrucción de lo existente, aun cuando eso existente sean ahora mismo por eso dice “dada está en contra del mismo nada”, la palabra “dada” aparentemente tiene un montón de debates, pero dicen que surgen de esos sonidos primarios, que no significan nada, que hacen los bebés ni bien empiezan a articular.
Aquí están entonces las características principales: el nihilismo destructivo, en la indicación de la nada mismo, el mal gusto y la provocación, una actitud de evasión que trata de escapar de esa realidad terrible que era la de la guerra.
Un cuestionamiento a todos los valores del arte el moderno que estaban ya consolidados en las instituciones.
En los EE.UU. tenemos otro escenario donde la figura principal sin duda es esta que vemos en la imagen que es Marcel Duchamp.
Todo el dadaísmo norteamericano se va a centrar menos, en este cuestionamiento a la sociedad burguesa en su conjunto, que a las instituciones del arte.
Duchamp se va a reír de las instituciones y se va a reír en la cara de las instituciones.
Para eso va a crear una nueva forma artística que son los “ready made” que significa “ya hecho”, y la primera obra que hace en este sentido, que es la rueda de bicicleta que es de 1913, o sea antes de la conformación del dadaísmo como movimiento.
¿En qué consisten los ready made?
Consisten en extraer un objeto del mundo cotidiano y luego insertarlo en un ámbito artístico, de esta manera el objeto adquiere estatuto artístico, se transforma en arte.
¿y qué es lo que lo transforma el arte?
La misma voluntad del artista y el contexto artístico en el que se inserta.
Esta idea es fundamental para lo que va a ser el arte contemporáneo porque el eje del fundamento de lo que es el arte está dado por el concepto, no por la artesanía, no por la manualidad que realiza el artista.
Sino por la idea que tiene el artista.
La pregunta fundamental que introduce Duchamp es ¿Es esto es arte? ¿Por qué es arte? y la respuesta que está dando es porque yo digo que es arte.
Porque el artista mismo le está dando su estatuto artístico, porque él no se encargó ni de hacerlo, ni de manufacturarlos, o sea, no se encargó de la parte manual de la de la forma artística.
Probablemente esto llegó a su mayor grado de popularidad con la obra a la derecha que se llama “fuente” es de 1917 que Duchamp mandó al salón de los independientes en París.
Obviamente esta obra que además es un urinario, o sea algo que estaba destinado a un uso muy cotidiano causó el rechazo del salón.
Ante lo cual Duchamp renunció como jurado y se produjo todo un revuelo en torno a ello, que tiene que ver con el, la burla que había llevado a cabo el artista hacia el sistema artístico.
En realidad, esta obra de Duchamp ya la podemos ver hoy en retrospectiva sobre el dadaísmo y pertenece hoy a colecciones artísticas.
Es decir, que el mundo del arte se mostró tan flexible, las instituciones artísticas se volvieron tan flexibles, que esa burla y esa crítica que le hizo Duchamp para que se realizaran de alguna manera cuestionar los fundamentos de las instituciones.
Fracasó porque las instituciones incorporaron al urinario y la rueda de bicicleta dentro del mundo de las artes siedo están expuestas como parte de la tradición del arte moderno.
Entonces allí se produce la contradicción fundamental que van a tener las vanguardias, tratar de escapar del mercado e instituciones del arte y finalmente ser incorporadas a esas tradiciones.
Estos comienzos de Duchamp sientan las bases para lo que luego van a hacer las obras conceptuales.
No es arte conceptual el sentido estricto, pero si tienen en común con el arte conceptual el hecho de que la idea es lo fundamental para definir el objeto artístico.
Por último, si pasamos por el futurismo y pasamos por el dadaísmo, hacia la década del 20’.
Puntualmente en 1924, el dadaísmo se va a disgregar, Brettón incluso va a renunciar formalmente al dadaísmo y se va a formar un nuevo movimiento que es el Surrealismo.
El dadaísmo se había agotado porque no llevaba a ninguna vía, no había una acción posible después de ese acto destructivo.
Pero el surrealismo propone aquellos el dadaísmo no había ofrecido, que es un proyecto alternativo al de la modernidad tradicional.
Bretón lo va a definir de la siguiente manera:
“El surrealismo se basa en la creencia, en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensar.
Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida”.
Es decir, que la resolución de los problemas del mundo de alguna manera, de este mundo occidental iban a estar en la recuperación de aquello que estaba reprimido.
Lo que estaba en nuestro inconsciente, la impronta del marques De Sade, uno de los autores del siglo XVIII que va a inaugurar de una manera la literatura con un alto grado sexual y el temor que reivindica lo oscuro desde la literatura.
Ellos dicen: “hay dos grados de realidad, una vez que vivimos en la vigilia, porque estamos despiertos y otro de los sueños”.
Esos dos mundos parecen no tocarse y al de los sueños no le damos suficiente importancia. Ellos dicen “bueno entonces lo que hay que hacer para cambiar este mundo, para cambiar la realidad, es unir esos dos estados: de vigilia y el de sueño y eso es lo que llaman esta supra-realidad.
A diferencia de lo que va a pasar con el dadaísmo, en este caso los autores van a acompañar estado revolución, desde el punto de vista de las artes con la revolución política y muchos de ellos van a vivir el comunismo.
Van a reivindicar la idea de revolución como forma de transformación de la sociedad.
Desde el punto de vista de las consecuencias estéticas, tenía que ver con cuestionar los valores de la burguesía, la ética de la burguesía y, en ese sentido, como los dadaístas buscaban escandalizar.
¿Cómo escandalizaban?
Mediante a la recurrencia a obras con una sexualidad muy explícita, por ejemplo, o mediante lo absurdo nuevamente, lo onírico, lo que tiene que ver con el sueño, lo inverosímil, lo insólito, lo absurdo, lo que tenía que ver con el juego.
Van a ser fundamentales para favorecer la libre asociación de pensamientos y crear formas alternativas de pensar.
Van a haber dos maneras de indagar sobre el inconsciente: una va a ser sobre los indagando sobre los procedimientos de creación de la obra, y otra es mostrando lo inconsciente o esto suprarrenal en las imágenes mismas.
Desde el punto de vista de los procedimientos, los surrealistas van a experimentar con distintas técnicas de exploración del inconsciente y del azar, una de ellas la que conocemos como cadáver exquisito.
Básicamente el "cadáver exquisito" (1925) implicaba una obra colectiva que se iba haciendo a partir de lo que el anterior dejaba como huella, entonces se hacía un garabato, le dejaba unas líneas doblaba el dibujo para que el siguiente no vea lo que se dibuja y este lo pasaba.
A partir de esas líneas que veían, el otro tenía que seguir dibujando, y así se iba formando una obra colectiva.
Eso también se hacía desde la palabra, con el discurso y la primera frase que se formó cuando jugaron fue cadáver exquisito.
Una expresión que en sí misma no tiene ningún sentido. ¿Por qué un cadáver sería exquisito?
Los surrealistas también experimentaron con algunas técnicas plásticas, uno de los más interesantes en este sentido fue Max Ernst, cuyas obras que estamos viendo en este momento que es bastante más avanzada en el tiempo, ya en la década de 1940.
Esta obra lo que estamos viendo son aparentemente árboles porque Max Ernst lo título “árbol solitario” y “árboles conyugales.
Existe un orden de lo sexual por el carácter fálico que tienen estos árboles, sin duda, en el cual nos tiende a buscar figuras femeninas y masculinas por el título.
Pero también hay algo que nos llama la atención del punto de vista de las técnicas.
Básicamente hay dos técnicas que suele desarrollar Max Ernst, una es el “Frottage” que consiste en poner piezas como una moneda y se ponia arriba un papel para luego marcarlas con un lapiz.
Así emergía la figura de la moneda. El “Grattage” es raspar la pintura para que surja la pintura que está en el fondo.
Todo esto permitía jugar con lo inconsciente y con lo azaroso desde la técnica de producción de la imagen.
También permitía explorar las formas automáticas que hacían que emergiera el inconsciente, algo que no es razonado previamente, sino que va surgiendo: el automatismo psíquico, que ellos también usaban para escribir.
Por ejemplo, una de las técnicas surrealistas más conocidas era el que (algunos la siguen haciendo), para elegir el tema de la creatividad, había que despertarse y escribir rápidamente los sueños, o escribir sin pensar en lo que estás escribiendo.
Entonces sale un texto automático que nos sorprende en el descubrimiento de lo mismo que hicimos.
También van a tener sesiones de hipnotismo donde van a permitir que surja el inconsciente. Es decir, era un gran grupo de experimentadores, que apelaban permanentemente al juego como procedimiento fundamental que daba lugar a estas técnicas.
Similar es lo que ocurre de la fotografía con una de las figuras fundamentales del surrealismo en los EE.UU. que es Man Ray, que exploró los mismos procedimientos en las mismas ideas del surrealismo, pero desde la técnica fotográfica.
Muchas veces conjugando estas afirmaciones verosímiles con otras que resultaban muy familiares, como por ejemplo, las imágenes publicitarias.
Las figuras femeninas que recortáramos la parte superior parecen las imágenes publicitarias de la época (década del 30’).
Desde la fotografía para eso se utiliza mucho la técnica del foto-montaje, esto de yuxtaponer distintas fotografías para crear una nueva.
Exploraciones tanto surrealistas como dadaístas desde la música y del cine, el futurismo incluso va a tener un manifiesto cinematográfico donde propone la articulación de distintas artes.
Por ejemplo, la pintura y la escultura, con la arquitectura, el teatro una conjunción de las artes en una búsqueda del dinamismo que da propia de las plantean surrealistas.
También va a incorporar la música futurista sobre todo lo que se llama el "ruidismo".
El ruidismo buscaba recuperar los sonidos cotidianos, los sonidos de la industria, los sonidos de la ciudad a la música, darles estatuto musical a los sonidos cotidianos.
En el cine se va a incorporar esta música también de Richter, de Luigi Russolo y probablemente la obra más conocida de este futurismo cinematográfico con la de Antón Bragaglia de 1917 que se llama “Thais o Perfido incanto”, donde esta búsqueda del movimiento va a estar lo dada, sobre todo por grandes escenografías que construyen son realmente escenografías casi teatrales.
Desde el surrealismo también pueden ver algunas otras exploraciones, que tienen más con que se hecho en Alemania.
De la mano de Hans Richter que lo vamos a ver también en otras formas cinematográficas, pero parecía que de acuerdo a lo que decía Buñuel:
“El cine era una de las formas más adecuadas a la búsqueda surrealista porque podría permitir yuxtaponer imágenes, así que en este mismo movimiento pareciera una imagen al lado de la otra que aparentemente no tenían nada que ver y así creaban nuevas asociaciones de pensamiento”.
Queridos lectores, si les gusto lo que escribí pueden contribuir, muchas gracias.
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